Voici les artistes qui n'ont jamais remporté de Grammy mais qui ont pourtant bâti des publics mondiaux parmi les plus importants et les plus durables de la musique, de BTS à Elvis Presley.
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BTS a déclaré cette semaine qu'ils ne soumettraient pas leur musique pour considération aux Grammy Awards de 2027, un peu plus d'un mois après que la Recording Academy a introduit une nouvelle catégorie de performance musicale pop asiatique. Les fans et le groupe lui-même craignaient que la nouvelle catégorie ne les éloigne discrètement des principales compétitions, y compris l'album de l'année, où leur album de retour avait été considéré comme un sérieux prétendant. C'est le dernier rebondissement d'une histoire qui précède BTS de plusieurs décennies : certains des actes les plus dominants commercialement de l'histoire de la musique ont construit des carrières, des catalogues et des empires commerciaux qui éclipseraient presque tout ce que les Grammys ont jamais reconnu, le tout sans un seul Grammy à leur actif.
C'est la véritable histoire derrière la liste des artistes qui n'ont jamais remporté de Grammy. La récompense a toujours été une mesure imparfaite de l'impact. Elle récompense ce à quoi un nombre relativement restreint de votants de l'industrie du disque réagit chaque année, et non ce qui remplit les stades, vend des tournées mondiales ou est échantillonné, repris et diffusé en streaming pendant un demi-siècle par la suite. BTS rejoint maintenant un groupe qui comprend Elvis Presley, Queen, ABBA, Bob Marley, Diana Ross et Tupac Shakur, des artistes dont la portée commerciale était, et dans certains cas est toujours, plus grande que celle que la plupart des gagnants des Grammy atteindront jamais.
Cette liste parcourt 15 artistes et groupes qui ont construit des entreprises et des empires de fans durables, dans certains cas véritablement mondiaux, avec peu ou pas d'aide de la Recording Academy. Quelques-uns ont gagné un petit nombre de Grammys par rapport à la taille de leurs catalogues ; la plupart n'ont jamais remporté de Grammy compétitif. Rien de tout cela n'a empêché les tournées de stade de se vendre, les compilations de grands succès d'être multi-platines ou les comédies musicales de jukebox de durer des décennies. Le schéma en dit moins sur les artistes que sur la façon dont le plus grand spectacle de récompenses de l'industrie a, encore et encore, tardé à reconnaître les actes qui ont fini par compter le plus. Lisez la suite pour savoir comment chacune de ces 15 carrières a transformé une exclusion des Grammy en une note de bas de page plutôt qu'en un revers.
BTS a annoncé le 29 juillet 2026 qu'ils ne soumettraient pas de musique pour considération aux 69e Grammy Awards, évitant complètement la cérémonie plutôt que de risquer d'être canalisés dans une nouvelle catégorie de genre que le groupe craignait de les écarter des principales récompenses. Les sept membres, RM, Jin, Suga, J-Hope, Jimin, V et Jungkook, ont publié la même déclaration sur leurs comptes de réseaux sociaux individuels, déclarant qu'ils espéraient que leur musique pourrait être entendue selon ses propres termes, plutôt que divisée par région ou langue.
La décision a suivi l'annonce par la Recording Academy un mois plus tôt de cinq nouvelles catégories de récompenses pour le spectacle de 2027, y compris la meilleure performance musicale pop asiatique. Le directeur général de la Recording Academy, Harvey Mason Jr., a déclaré qu'il respectait le choix du groupe, tout en soulignant que les artistes qui entrent dans une catégorie de genre ne sont pas empêchés de concourir également dans les récompenses générales les plus importantes, parmi elles l'album de l'année, le disque de l'année et la chanson de l'année.
Le timing a été douloureux car BTS semblait plus proche que jamais d'une première victoire aux Grammy. Le groupe est revenu d'une longue pause en mars 2026 avec un nouvel album qui est devenu l'un des disques les plus vendus de l'année, et les observateurs de l'industrie s'attendaient à une sérieuse compétition pour l'album de l'année lors de la prochaine cérémonie. Au lieu de cela, BTS se dirige vers 2027 avec le même bilan qu'ils ont depuis leurs débuts aux Grammy : cinq nominations, zéro victoire.
Rien de tout cela n'a ralenti le groupe. BTS est devenu l'acte le plus récompensé de l'histoire des Billboard Music Awards en 2022, et cet juillet, ils ont été en tête d'affiche du spectacle de la mi-temps de la finale de la Coupe du Monde de la FIFA aux côtés de Shakira et Madonna. L'Institut de recherche Hyundai de Corée du Sud a estimé à plusieurs reprises que l'activité de BTS ajoute entre 3,6 milliards de dollars et 5 milliards de dollars par an à l'économie nationale, un chiffre qui rivalise avec la contribution de certaines des plus grandes entreprises exportatrices du pays. Un groupe qui n'a jamais détenu de Grammy a, par cette mesure, construit une empreinte économique que la plupart des gagnants des Grammy n'approcheront jamais.
Diana Ross n'a jamais gagné de Grammy en compétition malgré 12 nominations réparties sur plus de 50 ans d'enregistrement, un écart que la Recording Academy a tenté de combler avec deux prix honorifiques distincts plutôt qu'un vrai trophée. Ross a reçu un Grammy pour l'ensemble de sa carrière en 2012, et les Supremes, le groupe Motown qu'elle a dirigé avant de faire carrière solo en 1970, ont reçu leur propre prix pour l'ensemble de leur carrière en 2023. Ni l'un ni l'autre n'est un prix compétitif, et cela ne change pas son véritable palmarès aux Grammy : zéro victoire.
Sa nomination la plus récente remonte à 2024, pour l'album Thank You dans la catégorie meilleur album vocal pop, où elle a perdu face à Michael Bublé. C'était sa première nomination dans cette catégorie spécifique depuis environ 40 ans et soulignait à quel point l'écart est long. Depuis la série de singles numéro un des Supremes dans les années 1960 jusqu'à sa série de succès en solo comme Upside Down, Ain't No Mountain High Enough et Endless Love, la Recording Academy ne lui a jamais décerné un prix compétitif.
Le bilan commercial raconte une autre histoire. Ross a classé plus d'entrées dans le Billboard Hot 100 que presque n'importe quelle autre artiste féminine de l'ère rock, d'abord avec les Supremes puis en tant qu'artiste solo, des années 1960 aux années 2020. Son catalogue a survécu à l'absence de Grammy en devenant une matière première fondamentale pour les générations suivantes : The Notorious B.I.G. a construit Mo Money Mo Problems autour d'un échantillon de I'm Coming Out, et ses succès de l'époque Motown restent une référence dans les bandes originales de films et de télévision des décennies après leur sortie initiale. Elle a continué à faire la tête d'affiche des arènes et des festivals jusque dans ses 80 ans, une longévité en tournée que peu de gagnants de Grammy, compétitifs ou non, peuvent revendiquer, y compris une performance largement couverte dans la légendaire slot à Glastonbury en 2022. L'absence de trophée est devenue, si tant est que, une note de bas de page à un catalogue vers lequel l'industrie continue de revenir.
Elvis Presley n'a remporté que trois Grammy Awards en compétition au cours de sa vie, et les trois sont allés à ses enregistrements gospel plutôt qu'aux succès rock-and-roll qui ont fait de lui un phénomène mondial. Sa première victoire est survenue en 1967 pour l'album How Great Thou Art, dans la catégorie meilleure performance sacrée, après neuf années consécutives de nominations aux Grammy qui n'avaient produit aucune victoire. Il a remporté deux fois de plus dans des catégories similaires, pour l'album He Touched Me en 1972 et un enregistrement live de How Great Thou Art en 1974. Ces trois trophées constituent l'intégralité de son palmarès compétitif aux Grammy, sur 14 nominations de carrière.
Aucun des singles emblématiques de Presley, parmi eux Hound Dog, Jailhouse Rock, Suspicious Minds et Are You Lonesome Tonight, n'a jamais remporté de Grammy, et il n'a jamais été nommé, encore moins gagné, pour le disque de l'année ou l'album de l'année. La Recording Academy l'a reconnu avec un Grammy pour l'ensemble de sa carrière en 1971, alors qu'il avait seulement 36 ans, faisant de lui l'un des plus jeunes récipiendaires de cet honneur. Mais un prix pour l'ensemble de la carrière, par définition, n'est pas une victoire compétitive, et il est arrivé alors que Presley avait encore des années de tournée et d'enregistrement devant lui.
La machine commerciale construite autour du nom de Presley a continué largement indemne de son maigre palmarès de trophées. Sa succession a souvent affirmé des ventes mondiales au-delà de 500 millions de disques, un chiffre qui le placerait parmi les artistes solo les plus vendus de l'histoire, peu importe comment cela est compté de manière conservatrice. Graceland, son domaine de Memphis transformé en musée, attire encore des centaines de milliers de visiteurs payants chaque année, des décennies après sa mort en 1977, et Elvis Presley Enterprises continue de licencier son nom et son image à travers la musique, le cinéma et les marchandises. En 2018, plus de 40 ans après sa mort avec trois Grammys de gospel à son nom, Presley a reçu la Médaille présidentielle de la liberté, une reconnaissance que son catalogue rock-and-roll n'a jamais reçue de la Recording Academy de son vivant.
Les Beach Boys ont récolté quatre nominations aux Grammy Awards au cours de leur carrière et n'ont remporté aucun d'entre eux, une exclusion qui comprend trois nominations distinctes en 1967 pour Good Vibrations et une autre en 1988 pour Kokomo. Quatre pertes au total. L'Académie des arts et des sciences du disque a finalement remis au groupe un Lifetime Achievement Award en 2001, des décennies après que les chansons qui avaient valu ces nominations originales étaient déjà devenues des piliers de la culture pop américaine, mais cet honneur se situe en dehors des catégories compétitives et ne change en rien le record réel du groupe : zéro victoire.
Les nominations perdues par le groupe ne font que paraître plus mauvaises avec le temps. Good Vibrations, construit autour d'une utilisation révolutionnaire du thérémine et d'un processus d'enregistrement modulaire célèbrement coûteux pour son époque, est désormais régulièrement classé parmi les plus grands singles jamais réalisés, et ses sessions parentes ont directement alimenté Pet Sounds, un album que Paul McCartney a dit avoir poussé les Beatles vers Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Le groupe qui a sans doute remodelé les ambitions de ses plus grands rivaux lauréats de Grammy n'a aucun Grammy compétitif à montrer pour cela.
Les compositions et les innovations en studio de Brian Wilson ont transformé la culture du surf californien en l'une des marques de style de vie les plus exportées de la musique américaine, alimentant des décennies de contrats de licence, de marketing touristique et de bandes sonores de films construits autour de l'image de "l'été sans fin" que le groupe a aidé à inventer. Le groupe a continué à tourner dans les arènes et les amphithéâtres jusqu'aux années 2010, et la carrière solo de Wilson a finalement remporté deux Grammy compétitifs à lui seul, ce qui signifie que le compositeur a plus de Grammy individuellement que le groupe qui l'a rendu célèbre n'en a jamais collecté ensemble. Le groupe a également été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 1988, une reconnaissance qui est arrivée plus d'une décennie avant son premier et unique Grammy Lifetime Achievement Award. Quatre nominations, quatre pertes, et un catalogue qui continue à générer des redevances indépendamment de ce que l'Académie des arts et des sciences du disque a jamais décidé.
Queen a récolté quatre nominations aux Grammy Awards alors que Freddie Mercury était vivant, réparties sur deux cérémonies à la fin des années 1970 et au début des années 1980, et n'a remporté aucun d'entre eux. L'Académie des arts et des sciences du disque a attendu jusqu'en 2018 pour donner au groupe une quelconque reconnaissance aux Grammy, remettant à Queen un Lifetime Achievement Award la même année où son album classique A Night at the Opera est entré dans le Grammy Hall of Fame, des décennies après leur sortie. Aucun de ces honneurs n'est une récompense compétitive, et à ce jour, aucune chanson ou album individuel de Queen n'a remporté un Grammy compétitif.
Cette reconnaissance de 2018 est arrivée en même temps que la sortie de Bohemian Rhapsody, le biopic du groupe, qui a rapporté plus de 900 millions de dollars dans le monde et est devenu le biopic musical le plus rentable jamais réalisé. Le succès du film a réintroduit le catalogue de Queen à une génération d'auditeurs à l'ère du streaming qui n'avait jamais vu le groupe se produire en live, et il a poussé le titre éponyme à plus de deux milliards de streams sur Spotify $SPOT, un jalon que très peu de singles de l'ère pré-streaming atteignent.
L'empreinte commerciale du groupe dépasse largement le film. La compilation Greatest Hits de Queen est l'album le plus vendu de l'histoire des Charts Officiels du Royaume-Uni, ayant vendu plus de six millions de copies dans le pays depuis sa sortie en 1981, devant des albums de ABBA, Adele et tous les autres artistes de cette liste. We Will Rock You, la comédie musicale jukebox construite autour du catalogue de Queen, a été jouée dans le West End de Londres pendant 12 ans à partir de 2002, l'une des plus longues durées qu'un spectacle musical basé sur la musique ait réussi à tenir. Brian May et Roger Taylor ont continué à tourner dans les arènes et les stades bien dans leur septième décennie, soutenus par un catalogue qui continue de générer des redevances, des contrats de licence et des revenus de marchandises sans aucun trophée Grammy partout dans le mélange. Bohemian Rhapsody la chanson est également devenue l'une des pièces de musique les plus licenciées dans la publicité et le cinéma, apparaissant dans des publicités et des bandes-annonces de films sur presque tous les continents des décennies après avoir atteint la tête des charts britanniques.
ABBA est resté 47 ans sans une seule nomination aux Grammy Awards, une période qui a commencé avec la sortie de Waterloo en 1974 et qui ne s'est terminée qu'en novembre 2021, lorsque le single de retour du groupe réuni, I Still Have Faith in You, a été nommé pour le disque de l'année. C'était la première nomination aux Grammy Awards de la carrière d'ABBA. L'année suivante a apporté quatre autres nominations, pour l'album Voyage et les singles Don't Shut Me Down et I Still Have Faith in You, couvrant le disque de l'année, l'album de l'année, la meilleure performance pop duo/groupe et le meilleur album pop vocal. ABBA n'en a remporté aucun, clôturant son registre Grammy à zéro victoire sur cinq nominations au total.
L'écart est l'une des omissions les plus frappantes de l'histoire des Grammy Awards, compte tenu de la manière dont la musique d'ABBA a alimenté les affaires d'autres personnes. Mamma Mia!, la comédie musicale jukebox entièrement construite autour du répertoire d'ABBA, a ouvert à Londres en 1999 et a depuis été jouée dans des dizaines de pays, devenant l'une des comédies musicales les plus jouées et traduites de l'histoire. Son adaptation cinématographique de 2008 a rapporté plus de 600 millions de dollars dans le monde et a été, pendant un temps, le film le plus lucratif de l'histoire du box-office britannique. Une suite a suivi une décennie plus tard.
Plus récemment, ABBA Voyage, une résidence de concert construite autour d'avatars numériques des quatre membres du groupe se produisant aux côtés d'un groupe live, a ouvert dans une arène spécialement construite à Londres en 2022 et a attiré bien plus d'un million d'acheteurs de billets, ce qui en ferait l'une des résidences de concerts les plus lucratives jamais mises en scène, le tout sans qu'aucun des quatre membres originaux ne monte sur scène. Les estimations des ventes totales de disques d'ABBA atteignent des centaines de millions dans le monde. Le profil mondial du groupe remonte à une seule nuit à Brighton, en Angleterre, où Waterloo a remporté le Concours Eurovision de la Chanson en 1974 et a présenté le groupe à un public international des décennies avant que les votants américains des Grammy Awards ne lui prêtent attention. Rien de tout cela n'a nécessité un Grammy pour se produire, et la plupart ont eu lieu des décennies avant que l'Académie d'enregistrement n'y prête d'abord attention.
Bob Marley n'a jamais été nommé pour un Grammy de son vivant, et structurellement, il n'a jamais eu de réelle chance de l'être. Les Grammy Awards n'ont pas introduit de catégorie de meilleur album reggae avant 1985, quatre ans après que Marley soit mort d'un cancer à l'âge de 36 ans, ce qui signifiait que le genre qu'il a plus que quiconque contribué à populariser dans le monde entier n'avait pas de canal Grammy dédié durant sa carrière active. L'Académie d'enregistrement a finalement décerné à Marley un prix posthume pour l'ensemble de sa carrière en 2001, marquant 20 ans depuis sa mort, mais cela reste un honneur non compétitif. Il n'a jamais gagné, et ne peut plus maintenant gagner, un Grammy compétitif.
Son absence des récompenses n'a eu essentiellement aucun effet sur l'ampleur des affaires construites autour de son catalogue. Legend, la compilation de 1984 sortie trois ans après sa mort, est largement considérée comme l'album reggae le plus vendu jamais réalisé, certifié multiplatine à de nombreuses reprises rien qu'aux États-Unis, avec des ventes mondiales estimées bien au-delà de 20 millions d'exemplaires. Il reste une référence dans le classement des albums de catalogue de Billboard plus de 40 ans après sa sortie, une pérennité que peu d'albums d'artistes vivants ou lauréats de Grammy peuvent égaler.
Le nom Marley est également devenu l'une des marques de licence les plus durables de la musique. House of Marley vend des écouteurs et des équipements audio construits autour du message de durabilité lié à l'héritage du chanteur. Marley Natural et ses projets connexes ont étendu la marque aux produits à base de cannabis suite à la légalisation dans certaines parties des États-Unis. Tuff Gong International, le label et complexe de studios fondé par Marley à Kingston, continue de fonctionner comme une partie intégrante de l'industrie musicale jamaïcaine. Forbes a à plusieurs reprises classé Marley parmi ses célébrités décédées les mieux rémunérées, citant un revenu de licence qui atteint huit chiffres la plupart des années. Une nomination aux Grammy n'a jamais fait partie de cette équation, puisque la catégorie qui aurait pu le reconnaître n'existait pas avant sa disparition.
Led Zeppelin n'a remporté exactement qu'un seul Grammy compétitif dans toute son histoire, et il n'est arrivé qu'en 2014, plus de trois décennies après la séparation du groupe. Le seul trophée du groupe a été attribué à Celebration Day, un album live documentant un concert de réunion en 2007 à l'O2 Arena de Londres, dans la catégorie meilleur album rock. Aucun des quatre albums studio numérotés de Led Zeppelin, et aucune des pistes définissant l'époque qui s'y trouvent, y compris Stairway to Heaven, Whole Lotta Love et Kashmir, n'ont jamais remporté un Grammy. Le groupe n'a été nommé que trois fois au total : pour le meilleur nouvel artiste en 1970, qu'il a perdu, et deux fois plus en lien avec Celebration Day, une fois pour l'album lui-même et une fois pour la piste Kashmir dans la catégorie meilleure performance rock, ce qu'il a également perdu.
Le groupe a reçu un Grammy Lifetime Achievement Award en 2005, soit 25 ans après la mort de John Bonham qui a mis fin au groupe, mais cette reconnaissance se situe entièrement en dehors des catégories compétitives. Sa plus récente chance de remporter un deuxième Grammy compétitif est apparue et a disparu en novembre 2025, lorsque Becoming Led Zeppelin, le documentaire officiellement approuvé du groupe, a été ignoré pour une nomination à la meilleure musique de film malgré une campagne publique pour son inclusion et une sortie en salle chaleureusement accueillie. Robert Plant, notamment, a ensuite remporté huit Grammys en tant qu'artiste solo, principalement pour des collaborations avec Alison Krauss, ce qui signifie que le chanteur a désormais plus de Grammys à son nom que le groupe qui l'a rendu célèbre.
Rien de tout cela n'a entamé la position commerciale de Led Zeppelin. Le groupe figure parmi les artistes musicaux les plus vendus de l'histoire des États-Unis, avec plus de 111 millions d'unités d'albums certifiées selon la Recording Industry Association of America, le plaçant dans le même palier que les artistes ayant des trophées considérablement plus nombreux. Physical Graffiti, Led Zeppelin IV et Houses of the Holy restent des piliers de la radio rock classique et des listes de lecture en streaming dans le monde entier, plus de 50 ans après leur sortie, alimentés par un catalogue que les Grammys ont en grande partie ignoré pendant toute la carrière active du groupe.
Radiohead a remporté trois Grammys, et tous les trois sont venus dans exactement une catégorie : meilleur album de musique alternative, pour OK Computer en 1998, Kid A en 2001 et In Rainbows en 2009. Cela place Radiohead à égalité avec les White Stripes pour le plus grand nombre de victoires enregistrées par un artiste dans cette catégorie. Ce que le groupe n'a jamais gagné, c'est quelque chose dans le haut du panier des Grammy. OK Computer, Kid A et In Rainbows ont tous été nominés pour l'album de l'année et ont perdu à chaque fois, et Radiohead n'a jamais été nominé pour l'enregistrement de l'année ou la chanson de l'année au cours d'une carrière de trois décennies construite principalement sur des albums maintenant considérés parmi les disques de rock les plus influents jamais réalisés.
Les instincts commerciaux du groupe ont souvent surpassé l'industrie que les Grammys représentent. Lorsque Radiohead a sorti In Rainbows en 2007, il a permis aux fans de fixer leur propre prix pour un téléchargement numérique, y compris zéro, à un moment où l'industrie musicale traitait encore le partage de fichiers comme une menace existentielle. Les rapports de l'époque suggéraient que l'acheteur moyen au Royaume-Uni payait environ six dollars, et le groupe a ensuite déclaré que la sortie avait surpassé les ventes de son précédent album sous label majeur malgré le contournement complet d'un label. Le mouvement a remodelé la façon dont l'industrie a pensé aux sorties numériques directes aux fans des années avant que le streaming ne règle définitivement la question du format.
Radiohead a continué à être la tête d'affiche des festivals et des stades à travers les États-Unis, le Royaume-Uni et l'Europe continentale pendant des décennies, commandant des prix de billets et des budgets de production comparables aux plus grands artistes de toute époque, compétitifs ou non. Thom Yorke s'est également périodiquement affronté publiquement avec l'économie du streaming qui a finalement remplacé le modèle de téléchargement que Radiohead a aidé à pionnier, retirant de la musique des plateformes qu'il considérait comme sous-payant les artistes. Rien de cette histoire n'a nécessité un Grammy dans le domaine général. Trois trophées d'une catégorie de genre pour un groupe aussi influent, représentent une empreinte Grammy remarquablement étroite.
Snoop Dogg a été nommé pour un Grammy au moins 16 fois depuis ses débuts en 1993 sans jamais en gagner un, une série souvent citée comme l'une des plus longues séries de nominations actives sans victoire dans l'histoire de la récompense. Son travail nominé s'étend sur trois décennies, de Gin and Juice au milieu des années 1990 à des collaborations bien dans les années 2010 et 2020, et il a remporté des trophées des Billboard Music Awards, des BET Awards et des MTV Video Music Awards en cours de route. Le Grammy n'en a tout simplement jamais fait partie.
Ce qui distingue Snoop de nombreux autres artistes de cette liste, c'est la façon dont il a délibérément construit un empire commercial autour de cet écart. En février 2022, il a acheté Death Row Records, le label qui l'a signé en tant que jeune rappeur au début des années 1990 et a contribué à définir le hip-hop de la côte ouest, faisant de lui le propriétaire de sa propre histoire d'origine créative trois décennies plus tard. Il a cofondé Leafs by Snoop en 2015, l'une des premières lignes de produits de cannabis légal de marque célébrité aux États-Unis, le positionnant très tôt dans une industrie qui vaut depuis des milliards. Son propre label de spiritueux, la marque de gin Indoggo, ainsi que des années de merchandising et d'accords de licence avec des entreprises allant de Skechers à Corona, ont transformé son image en l'une des marques commerciales les plus reconnaissables du hip-hop, indépendamment de tout album ou single.
Il s'est également largement étendu en dehors de la musique. Snoop Dogg a servi de correspondant et commentateur de couleur pour la couverture des Jeux olympiques de Paris 2024 par NBC, apparaissant dans des émissions de grande écoute pour un public bien plus large que n'importe quelle émission télévisée des Grammy, et il a animé ou co-animé des émissions de format télévisé, y compris une série culinaire de longue date avec Martha Stewart. Rien de tout cela n'a nécessité un trophée Grammy pour se construire. Si quoi que ce soit, la carrière de Snoop Dogg est devenue une sorte d'étude de cas sur la façon dont une série de nominations sans une seule victoire peut coexister avec l'un des portefeuilles commerciaux les plus diversifiés du hip-hop.
Tupac Shakur a été nommé pour un Grammy sept fois depuis 1996 et n'a jamais gagné, une série qui s'est poursuivie pendant près de trois décennies après sa mort cette année-là. Ses deux premières nominations sont venues en 1996, pour Dear Mama dans la catégorie de la meilleure performance solo de rap et pour l'album Me Against the World, et d'autres nominations posthumes ont suivi pour All Eyez on Me et le single Changes. Sa nomination la plus récente est venue en 2024, lorsque la série documentaire FX Dear Mama: The Saga of Afeni and Tupac Shakur a été nominée pour le meilleur film musical, près de 30 ans après sa mort. Il a perdu, prolongeant un record des Grammy qui est resté à zéro victoire depuis le début de sa carrière.
Le poids commercial et culturel derrière son nom n'a fait que croître au fil des années. All Eyez on Me, le double album de 1996 sorti quelques semaines avant sa mort, a été certifié diamant par l'Association de l'industrie du disque d'Amérique, le plaçant parmi les albums de hip-hop les plus vendus jamais sortis aux États-Unis. Sa succession et Amaru Entertainment ont continué à sortir des albums posthumes, des compilations et du matériel d'archives pendant près de trois décennies, gardant son catalogue commercialement actif longtemps après que la plupart des carrières des artistes se seraient terminées discrètement.
Peut-être qu'aucun moment unique ne capture mieux l'ampleur de l'entreprise Tupac qu'avril 2012, lorsqu'un hologramme photoréaliste du rappeur a joué aux côtés de Snoop Dogg et Dr. Dre à Coachella, l'un des moments de performance en direct les plus discutés de l'histoire du festival et une pièce de technologie qui a généré sa propre vague de licences et d'imitations dans l'industrie des tournées. Shakur a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 2017, lors de sa première année d'éligibilité. Rien de tout cela n'est venu avec un Grammy joint, mais très peu de choses sur la carrière posthume de Tupac Shakur en ont dépendu.
Nicki Minaj a été nominée aux Grammy Awards 10 fois depuis 2012 et n'a jamais gagné. Sa première nomination est venue dans la catégorie du meilleur nouvel artiste, où elle a perdu face à Bon Iver dans un résultat encore débattu par les fans de hip-hop plus d'une décennie plus tard. Son moment le plus proche d'une victoire est survenu en 2015, lorsqu'elle était en lice pour trois récompenses distinctes en une nuit et les a toutes perdues face à Kendrick Lamar. D'autres nominations dans les catégories du meilleur album rap, de la meilleure chanson rap et de diverses collaborations ont suivi dans les années 2010 et 2020, sans aucune victoire.
Son palmarès en chartes raconte une histoire très différente sur sa position dans l'industrie. En 2021, Minaj a dépassé Aretha Franklin pour devenir la femme avec le plus d'entrées totales dans l'histoire du classement Billboard Hot 100, un record construit sur plus d'une décennie de couplets invités, de singles et de morceaux d'album. Peu d'artistes, hommes ou femmes, ont égalé le volume pur d'activité sur les chartes qu'elle a maintenu depuis son premier album en 2010, Pink Friday.
Minaj a également construit une empreinte commerciale bien au-delà des ventes de musique. Sa collaboration de rouge à lèvres Pink Friday avec MAC Cosmetics s'est épuisée en quelques heures après sa sortie en 2012, un exemple précoce d'une artiste hip-hop traduisant le succès des chartes directement en demande dans l'industrie de la beauté. Elle a depuis lancé sa propre ligne de parfums et maintenu l'une des marques visuelles les plus durables et les plus imitées du hip-hop, des perruques et des couleurs aux alter ego pilotés par des personnages qui ont façonné une génération d'esthétiques pop et rap. Une série de nominations aux Grammy Awards maintenant dans sa deuxième décennie sans une seule victoire n'a rien fait pour ralentir l'ensemble, et Minaj reste l'une des femmes les plus commercialement rentables et dominantes sur les chartes de l'histoire de la musique, indépendamment de ce que l'Académie d'enregistrement a décidé au cours d'une année donnée.
Guns N' Roses n'a jamais gagné de Grammy, et son oubli le plus notoire est survenu dès le début. Appetite for Destruction, le premier album du groupe en 1987, a été publié confortablement dans la fenêtre d'éligibilité aux Grammy de cette année-là et n'a toujours reçu aucune nomination, une omission que l'Académie d'enregistrement a discrètement corrigée 37 ans plus tard en intronisant l'album au Grammy Hall of Fame en 2024. Lorsque le groupe a commencé à recevoir des nominations, l'oubli original était déjà de l'histoire ancienne. Guns N' Roses a été nominé quatre fois depuis 1990, pour GN'R Lies, Use Your Illusion I, une reprise de Live and Let Die, et une réédition en coffret deluxe de Appetite for Destruction en 2019, et a perdu à chaque fois.
La position commerciale du groupe n'a jamais eu besoin de la validation de l'Académie d'enregistrement. Appetite for Destruction reste l'un des albums débutants les plus vendus de l'histoire des chartes américaines, certifié multi-platine à plusieurs reprises par la Recording Industry Association of America des décennies après sa sortie, et il continue de se vendre et de se diffuser à un rythme que peu de disques rock des années 1980 peuvent égaler. Sweet Child O' Mine, Welcome to the Jungle et Paradise City restent des incontournables de la radio rock classique, aucun d'eux n'a jamais été nominé, encore moins remporté, un Grammy.
Les années de réunion du groupe ont transformé ce catalogue en l'une des plus grandes attractions live de l'industrie de la tournée. La tournée Not in This Lifetime, qui a réuni Axl Rose, Slash et Duff McKagan à partir de 2016, a rapporté plus de 584 millions de dollars à la fin, se classant parmi les tournées les plus rentables jamais organisées, devant de nombreuses tournées par des artistes ayant remporté plusieurs Grammy. Un groupe que les électeurs des Grammy ont complètement ignoré en 1987 a passé les décennies suivantes à devenir l'un des moteurs de revenus les plus fiables du rock d'arène, trophée ou pas, la formation réunie continuant à être en tête d'affiche des stades et des scènes principales de festivals bien dans sa quatrième décennie en tant que groupe.
Björk a été nommée aux Grammy Awards 16 fois depuis le milieu des années 1990 et n'a jamais gagné, ce qui lui confère l'une des plus longues séries de nominations sans victoire dans l'histoire des récompenses. Neuf de ces nominations ont été faites dans la catégorie du meilleur album de musique alternative, plus que tout autre artiste, en solo ou non, et sa plus récente nomination est arrivée en 2023 pour l'album Fossora. Elle est repartie les mains vides à chaque fois.
Le schéma s'étend au-delà de la musique. Björk a également été nominée pour un Oscar pour la meilleure chanson originale en 2001, pour I've Seen It All du film Dancer in the Dark, et a également perdu, faisant d'elle l'une des rares artistes dont les deux plus grands refus de l'industrie se situent aux antipodes du secteur du divertissement.
Rien de tout cela n'a ralenti sa position en tant que l'une des figures les plus innovantes de la musique pop. En 2011, elle a sorti Biophilia comme une série d'applications interactives conçues pour les tablettes, l'une des premières tentatives par un grand artiste de réinventer le format de l'album pour les appareils à écran tactile, des années avant que le streaming ne transforme complètement la façon dont les albums étaient consommés. En 2015, le Musée d'Art Moderne de New York a organisé une rétrospective de carrière complète dédiée à son travail, un honneur rare pour un musicien pop toujours actif et un qui la place aux côtés des artistes visuels plutôt que des autres artistes de chart. Elle a publié et distribué une grande partie de son catalogue via son propre label plutôt qu'un grand label, lui donnant un contrôle direct sur un corpus d'œuvres qui s'est vendu à des dizaines de millions dans le monde. Seize nominations et zéro victoire n'ont rien fait pour déloger la réputation de Björk en tant que l'une des artistes les plus structurellement influentes de l'ère du streaming et de celle d'avant, avec une jeune génération d'artistes pop expérimentaux et électroniques citant régulièrement ses choix de production et son style visuel comme point de référence.
Kiss a reçu exactement une nomination aux Grammy au cours d'une carrière maintenant dans sa sixième décennie, pour la chanson titre de Psycho Circus de 1998 dans la catégorie de la meilleure performance hard rock, et a perdu. Le groupe n'a jamais remporté un Grammy compétitif et, contrairement à la plupart des autres artistes de cette liste, n'a jamais approché les totaux de nominations de Snoop Dogg ou Björk. Pour Kiss, la relation entière avec les Grammy consiste en cette seule perte à la cérémonie de 1999.
Ce que Kiss manquait en attention des Grammy, il l'a compensé en transformant sa propre marque en l'une des opérations de merchandising les plus étendues de l'histoire de la musique. Gene Simmons a déclaré dans des interviews que Kiss a licencié des milliers de produits portant le logo et les designs de maquillage du groupe, allant des figurines d'action, des flippers, des bandes dessinées, des cartes de crédit et, plus célèbrement, un cercueil sous licence officielle Kiss vendu par la Batesville Casket Company à partir de 2001. Peu, voire aucun, actes ayant remporté un Grammy n'ont construit une opération de licence d'une telle ampleur, ou aussi étrange.
Le groupe a clôturé sa carrière de tournée avec le End of the Road World Tour, allant de 2019 à un dernier spectacle en 2023 au Madison Square $SQ Garden de New York, et a utilisé cet adieu pour ouvrir un nouveau chapitre plutôt que d'en fermer un. En avril 2024, Kiss a vendu son catalogue musical, ses droits de marque et de ressemblance, y compris les designs de maquillage de ses membres, à Pophouse Entertainment, l'entreprise suédoise derrière la résidence de concerts ABBA Voyage, dans un accord évalué à plus de 300 millions de dollars, avec des plans pour que le groupe continue de se produire indéfiniment à travers des avatars numériques de sa formation classique à partir de 2027. Une seule nomination aux Grammy, une perte, et un empire de licence construit presque entièrement sans l'aide de la Recording Academy ont laissé Kiss positionné pour continuer à tourner, sous une certaine forme, longtemps après que chaque membre fondateur ait cessé de se produire en personne.