Des nouvelles galeries de 12 000 pieds carrés de l'Institut du Costume du Met à un musée de la chaussure à Florence situé dans un palazzo médiéval du XIIIe siècle.
Credit: The Metropolitan Museum of Art
La mode occupe une position inhabituelle dans le monde des musées. Les objets qu'elle produit — vêtements, chaussures, accessoires, croquis — sont parmi les plus personnels et périssables que toute institution de collecte manipule, et leur survie au fil des décennies ou des siècles nécessite un soin de conservation que la plupart des institutions textiles n'ont développé que récemment en une discipline rigoureuse. Une robe du XVIIe siècle et une robe de soirée Chanel des années 1930 sont conservées dans le même environnement mais représentent des contextes culturels, des méthodes de construction et des significations symboliques entièrement différents. Comprendre ce qui les relie et ce qui les distingue est le travail que les meilleurs musées de mode font, à un niveau de profondeur curatoriale que les vêtements eux-mêmes récompensent.
Les institutions qui détiennent des collections de mode couvrent une gamme d'identités institutionnelles : un musée rattaché à une école de design, un musée logé dans le bâtiment d'origine d'une maison de couture, un musée fondé par l'épouse d'un cordonnier, et un musée au sein de l'une des plus grandes collections générales du monde. Chacun aborde la mode d'un point de départ différent, produisant différentes forces et lacunes. Les cinq siècles d'histoire du vêtement du Victoria and Albert Museum lui donnent une profondeur chronologique qu'un musée de designer unique ne peut égaler. La position de La Galerie Dior au sein de la Maison Dior d'origine lui confère une intimité archivistique avec un seul héritage créatif qu'aucune institution encyclopédique ne peut reproduire. Ensemble, la gamme d'approches que ces institutions adoptent donne à la catégorie des musées de mode une diversité qui récompense la visite de plus d'un.
Les huit institutions ci-dessous apparaissent dans le numéro d'avril 2026 de Travel + Leisure. Plusieurs ont récemment ouvert de nouvelles galeries ou présentent des expositions nouvelles dans leurs villes respectives. Chacune offre un point d'entrée distinct dans l'histoire de la mode, le design et la relation entre le vêtement et la culture.
Credit: The Metropolitan Museum of Art
Le Costume Institute du Metropolitan Museum of Art de New York ouvre de nouvelles galeries de près de 12 000 pieds carrés à côté de l'entrée du Grand Hall du musée le 10 mai 2026. L'espace agrandi donne à l'Institut la place pour présenter son exposition annuelle de printemps aux côtés d'expositions d'autres départements curatoriaux au sein du musée, ce qui reflète l'ambition plus large de l'Institut de positionner la mode non pas comme une catégorie à part des beaux-arts mais comme continue avec eux. L'exposition inaugurale dans les nouvelles galeries, « Costume Art », juxtapose des vêtements de la collection de l'Institut avec des œuvres d'art des collections du Met, créant des jumelages qui illuminent la relation entre le vêtement et le corps et entre les représentations artistiques du corps et la mode comme une forme d'expression.
L'exposition « Costume Art » a été célébrée lors du Met Gala du 4 mai, coprésidé par Beyoncé, Nicole Kidman, Venus Williams et Anna Wintour, et reste visible jusqu'au 10 janvier 2027. Le Gala, qui sert de collecte de fonds pour le Costume Institute, donne à l'exposition printanière un moment annuel de visibilité culturelle que peu d'expositions de musées reçoivent, et la sélection des coprésidents chaque année signale l'orientation thématique de l'exposition avant que les portes ne s'ouvrent au public.
La collection permanente du Costume Institute offre aux nouvelles galeries une base d'une profondeur significative : elle comprend des vêtements du XVIIe siècle à nos jours et a été assemblée avec la même rigueur d'acquisition que le Met applique à ses collections de peintures et de sculptures. Le nouvel espace de galerie offre à cette collection un environnement de présentation à la hauteur de son importance, ce que l'agencement précédent des galeries de l'Institut, dispersé à travers le niveau inférieur du musée, n'a pas toujours réussi à atteindre.
Credit: The Museum at the Fashion Institute of Technology
Le Musée de l'Institut de la mode de New York maintient une collection permanente d'environ 50 000 vêtements et accessoires couvrant trois siècles d'histoire du vêtement, y compris des œuvres d'Adrian, Balenciaga, Chanel et Dior. L'identité institutionnelle du musée en tant que partie d'une école de design en activité lui donne une fonction pédagogique en plus de son rôle d'exposition : la collection sert aux étudiants étudiant l'histoire de la mode et la construction, ainsi qu'aux visiteurs assistant aux expositions et aux programmes. Ce double objectif façonne la profondeur de la documentation de la collection, car les vêtements servent de sources principales pour les étudiants qui en apprennent directement.
La prochaine exposition spéciale, visible du 16 septembre au 4 janvier 2027, explore les liens entre les poupées et la haute couture sur trois siècles, avec des créations de Marc Jacobs, Lanvin, Martin Margiela et Anna Sui. Le lien entre le design de mode et la construction de poupées a une profondeur historique que la portée chronologique de l'exposition, du XVIIIe siècle à nos jours, permet de tracer : les poupées ont fonctionné comme des véhicules pour l'affichage de la mode, comme des prototypes pour les vêtements à l'échelle et comme des objets culturels dont les vêtements reflètent les modes de leur époque de manière à ce que l'exposition utilise pour illuminer les relations entre jeu, domesticité et haute conception.
L'emplacement du musée sur le campus du FIT dans le quartier de Chelsea à Manhattan lui donne un contexte institutionnel que la concentration de l'industrie de la mode à New York amplifie. La proximité des designers en activité, des installations de production et des médias de mode avec une institution qui détient des vêtements sources primaires de l'histoire du domaine donne au Musée du FIT une pertinence pour l'industrie contemporaine que les institutions dans d'autres villes avec des collections comparables ne peuvent pas reproduire par la seule proximité géographique.
Credit: The Weitzman Shoe Museum
Le Musée de la chaussure Weitzman, ouvrant le 18 juin dans la nouvelle aile Tang de la Société historique de New York pour la démocratie américaine, présente environ 150 paires de chaussures historiques de la collection que Jane Weitzman a commencée à assembler en 1996. La collection a commencé comme une commande de vitrine : Jane Weitzman a commencé à collectionner et à commander des chaussures d'affichage artistiquement interprétées pour les vitrines des magasins Stuart Weitzman, avec des objets fabriqués à partir de matériaux tels que des fleurs fraîches et du vitrail. Ces pièces d'affichage commandées représentent une catégorie de chaussures qui existe entre la sculpture et l'affichage commercial, et leur assemblage en une collection muséale leur donne une lecture que ni la vitrine du magasin ni une collection de chaussures conventionnelle ne fournit.
L'installation du musée retraçant l'histoire des femmes à travers les chaussures étend la portée de la collection du décoratif au documentaire, utilisant les chaussures comme preuve d'une histoire sociale et politique plus large, depuis le mouvement pour le suffrage du début du XXe siècle jusqu'à l'influence de Hollywood à mi-siècle sur le design des chaussures. L'argument selon lequel les chaussures peuvent porter ce genre de charge historique — que la transformation des chaussures pour femmes au cours d'un siècle de changements sociaux reflète plutôt que d'accompagner simplement ce changement — donne à la collection Weitzman une ambition thématique que les musées de chaussures construits principalement autour de l'artisanat et du design n'essaient pas toujours.
Stuart Weitzman a fondé sa marque de chaussures éponyme en 1986, fournissant au musée un fondateur institutionnel dont le contexte professionnel dans l'industrie contemporaine de la chaussure de luxe relie la collection historique à la pratique du design vivant qu'elle documente. Le cadre Tang Wing au sein du New York Historical donne au Musée de la Chaussure un cadre curatorial orienté vers l'histoire américaine et la culture démocratique, qui encadre l'installation de l'histoire des femmes dans un récit politique spécifiquement américain.
Credit: Bata Shoe Museum
Le Musée de la Chaussure Bata à Toronto, fondé en 1995 par Sonja Bata, couvre 4 500 ans d'histoire de la chaussure à travers quatre galeries tournantes, donnant à l'institution une profondeur chronologique inégalée par tout autre musée de la chaussure dans le monde. La gamme de la collection, des chaussures anciennes au design contemporain, donne au Bata la capacité de monter des expositions sur toute la durée de l'histoire de l'habillement humain, ce que démontre le programme d'exposition actuel : « Rough & Ready : A History of the Cowboy Boot », en exposition jusqu'au 20 septembre, couvre une forme culturelle spécifiquement américaine ; la toute première exposition sur le travail d'André Perugia, visible jusqu'en avril 2027, se concentre sur un créateur dont les innovations du début du XXe siècle ont transformé la chaussure de luxe ; et « Unearthing Vindolanda », ouvrant le 7 mai et se poursuivant jusqu'en septembre 2027, présente des découvertes archéologiques liées à la chaussure de la frontière nord de l'Empire romain.
Les trois expositions simultanées représentent la capacité du Bata à conserver l'histoire ancienne, l'histoire du design et l'histoire culturelle dans la même institution en même temps sans que l'un des trois ne réduise les autres. André Perugia, un designer italo-français qui a travaillé à Paris dans la première moitié du XXe siècle, occupe une position significative dans l'histoire de la chaussure, et ce traitement monographique, qui lui est consacré pour la première fois dans ce contexte muséal, lui donne la reconnaissance qu'il mérite. Les chaussures de Vindolanda du fort romain au sud du mur d'Hadrien dans le Northumberland fournissent la dimension archéologique de l'histoire de la chaussure avec un site et une période spécifiques dont les fouilles continuent de révéler de nouvelles découvertes.
Le bâtiment du musée, conçu par Raymond Moriyama et ouvert en 1995, offre au Bata un environnement de galerie spécialement conçu que son programme tournant utilise pleinement. L'emplacement à Toronto donne au musée une présence nord-américaine pour une collection assemblée au cours d'une vie de collecte et de recherche à l'échelle mondiale par son fondateur, né dans une famille aux racines européennes de la chaussure.
Credit: The Victoria and Albert Museum
La collection de mode du Victoria and Albert Museum à South Kensington, Londres, couvre cinq siècles d'histoire de l'habillement et constitue la collection la plus vaste et la plus complète de vêtements historiques au monde. Ses collections vont des robes du XVIIe siècle aux tenues de soirée Chanel des années 1930, aux tenues de jour Mary Quant des années 1960 et à la haute couture d'après-guerre de Christian Dior et Cristóbal Balenciaga, dans une étendue chronologique qu'aucune autre institution ne peut égaler en termes de qualité et d'étendue. La collection du V&A fournit une base de sources primaires pour l'histoire de la mode comparable en profondeur et en documentation à ce que la National Gallery fournit pour la peinture britannique.
L'exposition spéciale actuelle, « Schiaparelli : la mode devient art », en exposition jusqu'au 8 novembre, marque la première exposition au Royaume-Uni consacrée à la Maison Schiaparelli. L'exposition couvre toute l'histoire de la maison, des premiers vêtements révolutionnaires d'Elsa Schiaparelli à la fin des années 1920 aux travaux contemporains du directeur créatif actuel Daniel Roseberry. Plus de 400 objets sont inclus, englobant 100 ensembles et 50 œuvres d'art, aux côtés d'accessoires, de bijoux, de peintures, de photographies, de meubles, de parfums et de matériel d'archives qui donnent à l'exposition une densité de documentation appropriée à un créateur dont le travail se situe à l'intersection de la mode, du surréalisme et des beaux-arts.
Les collaborations d'Elsa Schiaparelli avec Salvador Dalí et Jean Cocteau, et son développement de tricots trompe-l'œil, de robes homard et de costumes squelettes, donnent à la maison une place spécifique dans l'histoire de la relation de la mode avec l'art d'avant-garde, une relation que le titre de l'exposition reconnaît directement. L'emplacement du V&A à South Kensington donne à l'exposition un contexte muséal, dont les collections — arts décoratifs, design, textiles, sculpture et photographie — plaident pour la mode en tant qu'art, avec le poids institutionnel d'une collection encyclopédique derrière elle.
Credit: MoMu
Le MoMu à Anvers détient la plus grande collection de mode belge contemporaine au monde, ce qui donne au musée un axe de collecte national spécifique que son exposition actuelle utilise comme sujet principal. « The Antwerp Six », exposée jusqu'au 17 janvier 2027, présente les six designers belges — Dirk Bikkembergs, Ann Demeulemeester, Walter Van Beirendonck, Dries Van Noten, Dirk Van Saene et Marina Yee — dont l'éducation commune à l'Académie royale des Beaux-Arts d'Anvers et la présentation collective au British Designer Show en 1986 ont établi la mode belge comme une force internationale et Anvers comme une capitale de la mode.
L'argument organisateur de l'exposition est la trajectoire spécifique qui relie six designers formés dans la même institution au même moment, présentés collectivement dans un format qui les a rendus visibles sur un marché où chacun d'eux seul aurait pu attirer moins d'attention, et qui ont poursuivi des carrières individuellement significatives que le moment partagé de la présentation londonienne de 1986 a rendu possible. L'histoire des Antwerp Six concerne autant la stratégie collective que le talent individuel, et l'exposition utilise la collection du MoMu de leur travail pour retracer à la fois les conditions partagées qui les ont produits et les directions esthétiques distinctes que chacun a poursuivies indépendamment.
La réputation du MoMu pour des expositions immersives donne à « The Antwerp Six » un format de présentation que l'approche propre des designers à la mode — conceptuellement rigoureuse, théâtralement mise en scène, résistante à la logique purement commerciale — récompense. L'emplacement du musée à Anvers lui confère une relation avec l'identité mode de la ville que les institutions présentant la mode belge depuis l'extérieur de la Belgique ne peuvent pas reproduire, et l'Académie royale des Beaux-Arts, dont le département de mode a produit les Six, reste une institution active à une courte distance du musée.
Credit: La Galerie Dior
La Galerie Dior occupe le bâtiment original de la Maison Dior au 30 Avenue Montaigne à Paris, donnant au musée une connexion physique à son sujet qu'aucune collection Dior située à l'extérieur ne peut revendiquer. La galerie documente Christian Dior et ses six successeurs créatifs — Yves Saint Laurent, Marc Bohan, Gianfranco Ferré, John Galliano, Raf Simons et Maria Grazia Chiuri — à travers des tenues, des croquis originaux, des documents d'archives, des accessoires et ce que le musée décrit comme des pièces exceptionnelles, dont beaucoup sont montrées publiquement pour la première fois dans l'exposition permanente de la galerie.
L'exposition temporaire actuelle, exposée jusqu'au 17 mai, présente plus de 100 œuvres Dior de la collection de la Fondation Azzedine Alaïa. La collection propre du couturier franco-tunisien Alaïa d'œuvres Dior, assemblée au cours de décennies de sa carrière en tant que l'un des designers indépendants les plus significatifs du 20e siècle, donne à l'exposition une perspective curatoriale spécifique à la relation d'un designer à l'héritage d'un autre. Une exposition connexe à la Fondation Alaïa, ailleurs à Paris, se déroule jusqu'au 21 juin, offrant aux visiteurs qui voient les deux une image complète du dialogue entre les deux maisons.
L'adresse de l'Avenue Montaigne situe La Galerie Dior dans la géographie de la haute couture parisienne que la rue a ancrée depuis l'après-guerre, lorsque la collection New Look de Dior en 1947 a transformé le paysage de la mode internationale. Le bâtiment qui abrite la galerie était le site où Dior lui-même travaillait, ce qui confère aux croquis et vêtements exposés une spécificité de lieu que la reproduction dans un autre lieu ferait totalement perdre.
Credit: Ferragamo Museo
Le Museo Ferragamo à Florence occupe le sous-sol médiéval du Palazzo Spini Feroni, un bâtiment du XIIIe siècle qui abrite également le siège contemporain de la société Ferragamo, une collection de peintures florentines des XVIIe et XVIIIe siècles, et une chapelle du XVIIe siècle. Le musée a été fondé en 1995 par la famille Ferragamo pour présenter aux visiteurs internationaux la dimension artistique du travail de Salvatore Ferragamo et son rôle dans l'histoire de la chaussure et de la mode mondiale. L'architecture médiévale du palais et ses siècles de superposition ultérieure donnent au musée un cadre physique qui ajoute une profondeur historique à ses objets.
L'exposition temporaire actuelle, « Salvatore Ferragamo 1898-1960 », est visible jusqu'au 10 mai et couvre la carrière du designer de sa naissance à sa mort. Ferragamo, qui a émigré d'Italie aux États-Unis et construit initialement sa réputation à Hollywood avant de retourner à Florence pour établir son opération de couture, occupe une position spécifique dans l'histoire de la mode qui traverse la culture des célébrités américaines et la tradition de l'artisanat italien. La description du musée de l'exposition comme une « bande de film de notre passé, un retour en arrière pour explorer le rôle d'un musée et le commissariat qui l'accompagne » reflète une approche curatoriale autoréflexive que la longue gestion de l'archive par la famille Ferragamo rend possible.
La localisation à Florence donne au Museo Ferragamo un contexte géographique dans le paysage de la mode et de l'artisanat italien que le contenu du musée reflète directement : la tradition artisanale de la cordonnerie que Florence a soutenue à travers les siècles donne au travail de Ferragamo un héritage régional ainsi qu'un génie individuel, et l'infrastructure touristique existante de la ville autour de son art et de son architecture donne au musée une base de visiteurs déjà orientée vers le type d'engagement avec la culture matérielle que la collection Ferragamo récompense.
